lunes, 9 de julio de 2012

Detachment

La semana pasada, después de ver la película "Profesor Lazhar" Me recomendaron esta otra: "Detachment" Es una película abrumadora, cruda y realista. Da mucho en qué pensar, la recomiendo al 100x100. Espero que os guste!

miércoles, 27 de junio de 2012

Profesor Lazhar

Ayer vi esta maravillosa película. Se la recomiendo a cualquiera que le interese el tema de la educación. Un saludo a todos!

martes, 19 de junio de 2012

Análisis crítico de la Ola

No leas este post si no has visto la película.

"Se trata de enseñarles las ventajas de la democracia" Con esta contestación, el profesor  Rainer Wenger, de pasado anarquista se ve obligado a dar un curso sobre la Autocracia.

Al principio de la película, unos alumnos mantienen la siguiente conversación:
- "De qué sirve revelarse hoy en día. La gente sólo piensa en su propio placer. Hace falta una meta conjunta.
- La gente no piensa en esas cosas. ¿Qué es lo más buscado en internet? Paris Hilton".

En la primera clase se palpa la apatía del alumnado hacia el tema y opinan que una dictadura en estos tiempos es imposible. El profesor configura una nueva táctica haciéndoles partícipes de un experimento.

Dato curioso: Al preguntar el profesor qué es lo que define una dictadura, Scott responde "-La insatisfacción"
Me pregunto por qué el director decidió utilizar esa frase en este personaje en concreto, que es el que más convencido estaba del movimiento.

También resulta bastante incongruente que justamente sea el inmigrante, el turco, el que hable del orgullo de ser alemán. ¿Qué sentido tiene?

El profesor crea el enemigo para que el grupo se una y sea más fuerte: los anarquistas. Sin explicar por qué son enemigos y sin informar de sus ideologías. Al final de la película se escucha la redacción de un alumno que dice "Pegar a la gente me parece de anarquistas" Si el profesor estaba tan interesado en el anarquismo, ¿Por qué no explica las bases de su ideología?

El profesor expresa: "¿de qué sirven las ideas si uno no hace nada con ellas?" Curioso, ya que en ningún momento de la película hablan ideología. La Ola es un "movimiento" vacío de significado. Muchos alumnos luchando por algo que no tiene ningún propósito. Asimilaron el experimento sin tener ninguna intencionalidad a parte de ponerse camisas blancas, pintar el símbolo por las calles y pelearse con los anarquistas sin tener ni idea de su ideología y sin haberse formado ni siquiera una propia. El profesor debería haber explicado las características ideológicas.

El concepto de grupo, que es el que más enfatizaba el profesor, no es algo que defina en absoluto la dictadura o autocracia según mi criterio. Ya que ese concepto también es concebido, y de una forma mucho más correcta y justa, en otras corrientes políticas. De esta forma el alumnado se confunde y empieza a hacerse ideas incorrectas de lo que es la autocracia. 

Al final de la película, el profesor recapacita y da una última clase para parar el "movimiento". ¿Por qué se pone la camisa blanca? ¿Por qué llega con ese discurso? ¿Es que no estaban los alumnos lo suficientemente confundidos? ¿Por qué necesita mentirles? ¿No hubiese sido más claro empezar con la verdad? ¿Por qué cerrar las puertas con cerrojo? ¿Por qué le permite a Scott que sea el guardaespaldas? 

Al principio de la película una alumna dice que las características sociales para que se de una dictadura son: "alto nivel de desempleo e injusticia social". Estos alumnos no tenían estos factores pero si una gran desinformación en una etapa en la que son altamente vulnerables e influenciables.

La Ola Características

Siento el retraso, tenía las preguntas de ese día en una carpeta que no encontraba.


Cuestiones formales:
¿Cómo es la estética en la película? Tonalidades frías y colores poco saturados.
¿Qué tipo de planos son los más usados? De detalle, americano, de profundidad, panorámico y general.
¿Qué papel juega la iluminación? La iluminación es poco llamativa, la luz es fría y apagada
¿Qué grado de relación existe entre la estética del grupo (la ola) con las dictaduras históricas? La relación es indiscutible, utilizan colores recurrentes en las dictaduras, así como un símbolo cargado de connotaciones. Además usan un uniforme que los define y con el que se sienten identificados.
¿Tiene relación la caracterización de los personajes con su conducta y manera de pensar? Depende del personaje, pero en general si.
¿Tiene relación la tonalidad de la película con la tonlidad del lugar? si, Alemania es un País situado en el centro-norte de Europa, con lo que el uso de colores fríos define bien la tonalidad del lugar.
¿Cómo es la fotografía? Al igual que los planos, la fotografía tiene planos d
e detalle, americano, de profundidad, panorámico y general.
¿Cómo es el ritmo de la narración? dinámico, rápido y activo.

Cuestiones conceptuales:

¿Qué papel juega el equipo de water-polo? El waterpolo es un instrumento de unión. La unificación del grupo frente al enemigo.
¿Cómo influye "la ola" en la vida del alumno? Cambia su juicio, comportamiento y sentimientos. 
¿Porqué el símbolo (significación) de "la ola"? símbolo que expresa el deseo de "arrasar". "La ola va a arrasar la ciudad".
¿Influye la cultura y el ambiente ideológico del país en el comportamiento del alumnado? Al principio de la película hacen referencia a la Alemania Nazi. Es evidente que el alumnado está influenciado por su historia, pero como cualquier alumnado en cualquier país.
¿ El profesor pensó en las consecuencias del proyecto? No lo creo, pues se ve cómo se le ocurre la idea en 10 minutos de descanso.
¿Qué provoca en el espectador el punto de vista desde el que se trata la imágen? Las sensaciones que he experimentado como espectadora han sido, angustia, indignación e incomprensión.


domingo, 17 de junio de 2012

El posmodernismo


La definición del posmodernismo, al igual que la del arte, tiene demasiadas acepciones como para tener una descripción única y específica. No obstante se pueden comentar las grandes generalidades que este movimiento conserva. 

Comienza en el siglo XX. Gracias a la cultura industrial, una gran masa de población accede a la cultura. Esto origina un cambio en el ámbito artístico: ahora cualquier persona puede generar una obra de arte pues la idea de artista ha sido relativizada y desprestigiada. Esto supone "la muerte del arte" para muchos y abre vías de conocimiento a otros. 

El posmodernismo tiende a relativizar la totalidad de la realidad. El artista posmoderno no busca plasmar la realidad sino la idea de identidad y la importancia del significado más que de los caracteres formales de la obra. Al buscar más el significado, el arte más que nunca está ligado a las circunstancias políticas, sociales y culturales.

Al relativizar la realidad se configura una incoherencia en los discursos ya que ninguna ideología es dominante y todas están en entredicho. Esto supone la necesidad de crear nuevos significados y a definir conceptos tradicionales.


La vanguardia ya no existe, porque ahora todo es vanguardia. Bajo esta premisa del posmodernismo he realizado este video de las clases públicas de BBAA del movimiento Sevilla Para. 

sábado, 16 de junio de 2012

3 definiciones de arte

Las dos primeras las puse ya al principio de curso, pero para ordenar un poco haré un resumen de las tres en éste post.

Primera definición: El arte es lo que cada uno considera que sea.
Segunda definición:


Tercera Definición: Después de leer tantas definiciones diferentes sobre lo que es el arte hay muchas con la que me siento muy identificada.

Me siento muy acorde con el artista y teórico Joseph Kosuth, influenciado por las teorías positivistas de Wittgenstein,  "Las obras de arte son proposiciones analíticas" con lo que "si alguien dice que su trabajo es arte, es arte".  Además opino como Weitz: "Es imposible establecer criterios que sean suficientes, por lo tanto, cualquier teoría del arte es una imposibilidad lógica" No obstante, también estoy de acuerdo con lo que estima Pierce de que para un estudio más profundizado es capital intentar definir el arte con lo que, en caso de necesitar definirlo lo haría como hizo Tatarkiewicz "El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción, o expresión puede deleitar, emocionar o producir un choque"

Por tanto, mi primera definición no estaba muy desencaminada de lo que lei posteriormente.  

Las obras de arte son proposiciones analíticas con lo que es lo que cada uno considera que sea ya que al no tener criterios que sean suficientes, cualquier definición específica es imposible. Pero si es posible una definición lo suficientemente genérica: "Es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción, o expresión puede deleitar, emocionar o producir un choque"

miércoles, 13 de junio de 2012

"Didáctica de la Educación Artística" y opinión sobre la educación

Comentario del texto "Didáctica de la Educación Artística de Marín, R.

Se observa que el texto hace un recorrido a través de la historia explicando la evolución de la educación artística, desde la época griega hasta finales del siglo XX.

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(Para ver mejor la imagen haga click encima)

Esta tabla resulta clarificadora pues te sitúa en las etapas que sufre la educación artística a través de la historia.

Las primeras reflexiones sobre la educación artística se recogen en la época griega. Platón y Aristóteles determinan que en la educación se debe contemplar las destrezas artísticas pues son imprescindibles para comprender su utilidad y su belleza.

Durante la Edad Media el concepto de arte y artista se rebaja al considerarlos como meros artesanos de un oficio manual, no se espera de ellos una originalidad o innovación. Su estudio se centra en cuestiones técnicas.

Desde el Renacimiento hasta el Romanticismo:
Se fundan las primeras escuelas, como la de Vasari en Florencia (1563). Se basan íntegramente en el estudio del dibujo pues es el fundamento de todas las artes. Con ejercicios como: Copia de láminas, geometría, copia de dibujos, bajorrelieves, estatuas, dibujos del natural, perspectiva, anatomía y proporciones.
Este modelo se afianza y prosigue hasta el siglo XIX.

En el siglo XIX se organizan los primeros sistemas educativos, incluyéndose el dibujo en la primaria y secundaria. Esto se produce gracias a un contexto histórico en el que la sociedad industrial considera necesario que el pueblo sepa leer, escribir y dibujar (como vehículo de fabricación para la industria). La educación artística se divide en dos ramas: la artística, basada en la representación de la naturaleza y la técnica, cuya filosofía es la descripción completa de cualquier forma, mecanismo, objeto...

Johann Heinrich Pestalozzi publica el primer manual de Educación Artística para la infancia.

Friedrich Froebel (1782-1852) elaboró su obra "Regalos y Ocupaciones" con ejercicios como: agujerear el papel  siguiendo un dibujo impreso, coser con hilos de diferentes colores, recortar y doblar el papel, etc.

En la segunda mitad del siglo XIX hay un desarrollo prolífero de diferentes métodos y manuales de dibujo, todos basados en la copia de láminas.

En la primera mitad del siglo XX se descubre el arte infantil. La forma de dibujar del niño se deja de interpretar como un cúmulo de errores para ser manifestaciones genuinas.

Durante la segunda mitad del siglo XX coexisten dos tendencias: La Eutoexpresión Creativa y la Educación Artística como Disciplina.

La Autoexpresión Creativa cuyos fundadores son Hebert Read y Viktor Lowenfeld. Estos autores publican diversas obras que marcan un antes y un después en la concepción de la edacución artística. Ya lo importante no son los contenidos sino la persona que se está formando. Los alumnos no son aprendices de dibujo sino seres humanos que tienen que llegar a desarrollarse plenamente como personas. El objetivo por tanto no es el producto final sino el desarrollo personal que las actividades artísticas propician. El dibujo libre y espontáneo se convierte en el ejercicio y la actividad fundamental en educación artística para que a través del arte se aprendiera a ser persona.

Evitan la copia de láminas, modelos y ejercicios igualitarios para todo el alumnado. Cada persona debe buscar sus propios intereses y elaborar sus propias respuestas. El proceso de imitación amordaza la personalidad.

La Educación Artística como Disciplina (DBAE):
Su filosofía gira en torno a desarrollar las habilidades y conocimientos del alumnado para comprender y apreciar el arte, para lo cual resulta imprescindible conocer las teorías y conceptos artísticos, así como tener una experiencia creadora.
Las competencias serían: Estética, crítica del arte, historia del arte y diferentes modalidades artísticas: dibujo, pintura, escultura...siendo su currículo equitativo en todas las materias.


Cambio de paradigma: El arte como lenguaje.
Según Rudolf Arnhein "Ver es pensar" con lo que las artes visuales son un modo de conocimiento y constituyen un lenguaje, pues la percepción visual es un proceso cognitivo activo y complejo.
La idea del arte como lenguaje viene propiciada por la revolución de los medios. La publicidad, la televisión, la semiótica...

"Dibujar, pintar, confeccionar o crear cualquier tipo de imagen no tiene que ver únicamente con la expresión de emociones y sentimientos, sino que constituye una forma de pensamiento, de ahí la importancia educativa de las actividades artísticas"


(Para ver mejor la imagen haga click encima)

La Autoexpresión Creativa apunta al desarrollo personal mientras que la Educación Artística como Disciplina alude a los requisitos y demandas sociales que se le pide a una persona educada en su vida social y profesional. Ambas tendencias educativas albergan diferentes necesidades del ser humano. Es imprescindible la educación de la expresión artística pues como manifiesta la filosofía de la autoexpresión "A través del arte se aprende a ser persona" pero también es cierto que la sociedad presupone una serie de demandas para concebir a una persona social y profesionalmente educada.

El problema radica en que la Autoexpresión Creativa apenas se aplica en los sistemas de enseñanzas. Poco se deja ver en los estudios preescolares y nada en los primarios o secundarios. Sin embargo, La Educación Artística como Disciplina si tiene más trascendencia en nuestros currículo, pero no con un desarrollo equitativo de las materias propuestas, tal y como dice su teoría, sino atendiendo mucho más a las modalidades artísticas (dibujo, pintura, escultura...) que a las que se posicionan en un rango más teórico (estética, crítica del arte, historia del arte...) con lo cual descubrimos que en realidad el sistema educativo actual sigue anclado en el siglo XVI. 

Es inquietante descubrir como los objetivos de la primera escuela de arte (Vasari) sean idénticos a las competencias que debemos estudiar actualmente: Copia de láminas, geometría, copia de dibujos, bajorrelieves, estatuas, dibujos del natural, perspectiva, anatomía y proporciones. 

La educación debería ser el constante equilibrio entre la Autoexpresión Creativa y la Educación Artística como Disciplina. Si bien la búsqueda de los intereses y la elaboración de respuestas propias es capital considero que el apoyo visual de otras obras no tiene por qué inhibir la propia creatividad sino servir de apoyo.

En cualquier caso no estimo, como hace la DBAE, que la creatividad sea únicamente "la capacidad para dar respuestas innovadoras a partir de un profundo conocimiento y dominio de las convenciones artísticas" pues elimina por completo la posibilidad de que el arte infantil o la autoexpresión sean creativos, con lo que reformularía algunas de sus ideologías.




martes, 12 de junio de 2012

"Detesto la palabra arte, preferiría que no existiera" Dubuffet

Comentario del texto de Tatarkiewicz

El arte ha cambiado su definición a lo largo de los siglos, pero es en el posmodernismo donde se juzga y se reinventa más que en ningún otro momento histórico.

El término arte se resiste a ser definido pues alberga múltiples acepciones. Según Wittgenstein estos conceptos tienen a lo sumo un "parecido de familia" con lo que sus definiciones siempre van a ser abiertas. Se entiende que el arte es una confluencia de un número de conceptos y que cualquier definición que sea verdadera debe dar cuenta de todos ellos.

 M. Weitz: "Es imposible establecer criterios que sean suficientes, por lo tanto, cualquier teoría del arte es una imposibilidad lógica" además "Los artistas crean cosas nuevas y por eso del arte no pueden establecerse condiciones de antemano" con lo que "cualquier supuesto de que el arte pueda ser definido es falso" 

Este planteamiento posee una lógica abrumadora sin embargo, al renunciar una definición resulta imposible hacer una investigación más profunda sobre el término.

Según Kennick la estética tradicionalista se fundamenta en el error de querer definir el arte. Tarea imposible pues no se puede definir algo que no tiene una función determinada. "No existe una única propiedad que sea común a todas las obras de arte".

Las conclusiones que extraemos de lo antes mencionado es que el arte tiene un carácter variado. Puede representar tanto el exterior como el mundo interior. No obstante la mayoría de las definiciones de la palabra arte no son del todo correctas porque sólo recogen una acepción determinada de las múltiples que puede definir.

Primero trata definiciones de grandes artistas y pensadores, como Dionisio o Miguel-Ángel entre otros. La mayoría con una única visión de lo que es el arte, y con una perspectiva que lleva la figura del artista a un nivel más elevado, avanzado a su época, casi un profeta.


Finalmente concluye con una definición lo suficientemente abierta como para que no haya prácticamente discusión alguna:

"El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción, o expresión puede deleitar, emocionar o producir un choque"

Tatarkiewicz asume que estamos de acuerdo con que una taza de té es menos hermosa que una obra de Shakespeare. Me pregunto si eso es realmente así o que hay, más allá de esa afirmación, una visión antropocentrista. ¿Pensaríamos lo mismo en otra sociedad? o simplemente ¿Un niño de nuestra propia cultura apreciaría más la obra de Shakespeare que una taza de té? Es evidente que en nuestra sociedad y bajo nuestra educación occidental se considera más bello la obra del escritor británico que un utensilio doméstico, pero quería hacer énfasis en la cuestión del por qué nos resulta evidente.

Una vez que hemos definido el arte (actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una experiencia, si el producto de esta reproducción, construcción, o expresión puede deleitar, emocionar o producir un choque) nos preguntamos por su finalidad ¿Con qué propósito se lleva a cabo una obra de arte?

Se han dado a lo largo de la historia muchas respuestas a esta pregunta:

La primera expone que es una necesidad del hombre. Por tanto, estas funciones no necesitan demostrar ninguna otra causa o propósito.

La segunda contradice a la primera pues dice que si tiene un propósito: el placer que el arte produce.

La tercera argumenta una posición escéptica. "Como no hemos elaborado ninguna teoría del arte, nos bastamos con experimentar el placer que alberga"

Con el tiempo aparecen respuestas con tildes místicos como "el arte es el favor de Dios; es un balance de la conciencia; es una critica social; es la planificación de un nuevo mundo".

Pero ninguna de las teorías tienen una respuesta universal.

Hasta el siglo XIX el concepto de arte no se pone en duda por varias razones. Pero la que estimo más importante es que el arte no estaba destinado para todas las clases sociales. Entre la burguesía, el arte no tenía problemas en cuanto a su definición. Era por y para su deleite. A partir del siglo XX, a pesar de que la burguesía o las clases más elitistas sigan en el ámbito artístico, también empieza a calar en otras clases sociales, lo que implica una riqueza de opiniones y una redefinición del término.

Después de la segunda guerra mundal se proclamó el eslogan "El arte ha muerto" pues podía ser practicado por cualquiera según le pareciese.

Según Jean Dubuffet "la cultura anula a todo el mundo, especialmente a los artistas. Por esa razón se opone a la tradición europea, a los griegos, a la belleza del arte, a su racionalidad y al lenguaje literario" Me sorprende tal afirmación pues no podemos imaginar un mundo sin cultura. Es algo inherente al hecho de usar la razón.

Witkiewicz tiene una visión muy pesimista del arte al predecir su muerte "El mundo contiene una cantidad finita de cosas con lo cual nadie puede parar el proceso de la muerte del arte" No estoy de acuerdo con esta afirmación porque al ser personas únicas, nadie puede hacer algo igual a nuestra obra. Con lo cual siempre habrán cosas únicas.

Este texto me ha ayudado mucho a configurar una opinión propia sobre lo que es el arte. Su comprensión es muy asequible e invita a una fácil conversación entre los diferentes pensadores de la época.



lunes, 11 de junio de 2012

Comentario del texto de María De Corral


 Este ensayo de María de Corral se divide en:

- Presentación del tema: página 167-174
- Ejemplos de artistas posmodernistas: página 175-182
- Conclusiones finales: página 183-184.

Lleva a cabo un repaso, desde los años sesenta hasta la actualidad, haciendo un énfasis notable en la década de los noventa y sin aportar mucho de la reciente década 2000. Para definir algo tan abstracto como el postmodernismo se recurre a ejemplos de artistas con diferentes formas de creación y pensamiento.

En el siglo XIX nadie se planteaba el concepto de arte, ya que estaba más que asentado en la sociedad. Se hacían cuestiones sobre qué era la belleza. Fue en el siglo XX cuando se empezó a poner en duda el término arte. Esto conllevó que ya ni siquiera la belleza se revelara en las obras de arte sino que el espectador tenía que buscarla en su contenido.

En los años 60 hay una vuelta al tradicionalismo en cuanto a conceptos formales pero con contenidos nuevos. A los artistas les daba cierta seguridad la tradición en la pintura aunque innovasen en el contenido de las mismas. Vuelven a las estructuras convencionales para distorsionarlas con un sentido poético instaurando un nuevo "orden" que en esencia se basaba en:
-Yuxtaposición de elementos no relacionados entre si.
- Aislando los elementos de la posibilidad del contexto.

Se crearon nuevas tendencias artísticas como "neo-geo", "commodity", "nueva abstracción", etc., cuyos temas principales eran los tradicionalmente excluidos del arte (la electrónica, el capitalismo, la sociedad de consumo, el feminismo)

Hubo un fuerte movimiento feminista en el que se potenciaba el cuerpo de la mujer para convertir en objeto en sujeto

En los 80 las artistas se alejan del cuerpo para utilizar un lenguaje lleno de simbolismo en el que los temas cotidianos eran lo más recurrente.

En los 90 la mujer se siente libre y se permite todo. Buscan un lenguaje que cambie las cosas, el lenguaje de la epifanía. Se fijan en lo diminuto y en los acontecimientos discretos. Tienen un tipo de pensamiento provisional que abraza la contradicción y evita toda racionalidad totalitaria.

En cuanto a la fotografía, las cuestiones formales no cambiaron pero sí su intención. En los 80 la fotografía habla más de la experiencia artística que de la fotografía misma. Los artistas, teniendo como referente a Roland Barthes,  tenían la necesidad de crear imágenes nuevas, y lo hacían no sólo renunciando al hecho de ser un testigo objetivo sino de ser conscientes de que están manejando un instrumento que une lo ficticio con lo real.

En Estados Unidos hubo una fuerte influencia del consumo de los media y los artistas hacían referencias a signos y símbolos que definían su país. Pero como Jeffrey Deitch decía "El arte figurativo, aunque intenta describir lo "real", no se puede llamar realista en el sentido convencional, ya que gran parte de ese mundo "real" es, de hecho, artificial".
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Louise Lawler, Barbara Kruger, Cindy Sherman y Richard Prince se negaban a la pérdida de la identidad y usaban los medios, la publicidad, las revistas y el cine para cambiar el significado, para proponer preguntas sobre lo social uniendo palabras con imágenes. Usan el artificio para conseguir efectos más plásticos.

Barbara Kruger:
Fotógrafa que usa la imagen publicitaria desvelando su magnitud social. Habla de la existencia con un arte de la recuperación (el collage)
Hace una llamada al espectador, intenta que el espectador se conciencie en temas sociopolíticos, económicos, culturales...

Cindy Sherman hace una parodia de los diferentes estereotipos de la mujer y hace evidente la ficción de los medios masivos creando una falsa pero provocativa imagen de quienes somos.


Robert Gober:
subir imagenes Se preocupa más por el significado del cuerpo que por lo que es. Usa moldes de cera de su propio cuerpo. Es una reivindicación ante la primacía de la máquina. Sus obras intentan movilizar al espectador.


Charles Ray
subir imagenes Utiliza la manipulación del espacio y la escala para conseguir un gran impacto. Sugiere patologías psicológicas como el placer/poder. Tienen tanto impacto sus imágenes porque une situaciones ilógicas con una alta definición de realismo.

Jenny Holzer:
subir imagenesEs una artista conceptual con orígenes abstractos. Se centra en temas como en amor, la muerte o el sexo en un contexto sociocultural. Intenta descifrar la naturaleza de la sociedad. Es subversiva en cuanto al contenido. Utiliza un lenguaje de signos reemplazando el de las imágenes haciendo visible lo invisible.

Jeff Koons 
subir imagenes Juega con el Mass-media, con el consumidor ansioso. Tiene una clara influencia de los ready-made de Duchamp. Da a lo banal una apariencia más trascendental.

Bill Viola
subir imagenes Usa como recurso el video. Se pregunta por el individuo y su entorno. Conceptos como la vida/muerte, misticismo/racionalismo son muy recurrentes en su oba.

Mike Kelley
subir imagenes Usa como material la basura, por lo que es definido como un outsider. Sus obras producen ansiedad o temor.

En Alemania los artistas se sentían atraídos por las formas y los espacios congelados. Los artistas Thomas Ruff, Thomas Struth y Andreas Gursky se preguntaban por el significado de la imagen. Tuvieron que reinventar el concepto de la imagen en la fotografía. Apelaban a una objetividad dentro de la estabilidad de la forma cuadro.

El alemán Thomas Ruff 
subir imagenes Utiliza temas conocidos para re-aclararlos u re-analizarlos. Lo más representativo de su obra son su series de retratos enigmáticos y de una neutralidad inquietante.

Reinhard Mucha
subir imagenes Es un artista minimalista que va de lo literal a lo metafórico. Hace construcciones para deshacer la metáfora.

Rosemarie Trockel
subir imagenes Usa pinturas y tejidos entre otros materiales. Su temática se distingue por unir lo público con lo privado

En Francia, 
Louise Bourgeois:
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Gira en torno del cuerpo, el sexo, la ambigüedad, el sufrimiento y la infancia.

En inglaterra,

Tony Cragg 
subir imagenes Intenta ampliar el lenguaje artístico con materiales no artísticos. No intenta exaltar el material sino la "desmaterialización de la materia".
Demosthenes, con su cita "Si queréis cambiar el mundo, cambiar la imagen del mundo", lo influenció.

Rachel Whiteread
subir imagenesSe preocupa por la pasada vida de las cosas

En Canadá,
Jeff Wall 
subir imagenes Aborda las contradicciones del capitalismo: los marginados y oprimidos (obreros, vagabundos, prostitutas...)

En las Bahamas,
Janine Antoni:
subir imagenes Para esta artista la obra es un proceso que se continúa. Habla del cuerpo y de la materia desde premisas psicoanalísticas y culturales. Su temática fundamental es el fetichismo del consumo femenino.

En Colombia,
Doris Salcedo
subir imagenes Hace un arte político basándose en la violencia de Colombia. Transforma objetos triviales en relicarios

En los 90 hubo una gran revolución digital -"La inscripción de la realidad en un programa" (Sherry Turkle)-. Se une lo físico y lo matemático, lo concreto y lo psicológico. No se basa en lo real ni en lo tangible, sino en la representación de espejos en espejos. El mundo vivido a través de sustitutos.

Durante todo el ensayo, María de Corral da múltiples definiciones y ejemplos sobre lo que es el posmodernismo. Asume que en este periodo, aceptando lo viejo, se crearon nuevas identidades artísticas. Es una transición entre el antiguo y el nuevo modelo de realidad. La relativización del modernismo y la condición posmoderna.
La lucha por la apariencia formal de la obra se reemplaza por la lucha del significado. El arte ya no expresa la realidad sino que es una máquina ilusionista, una realidad fingida.
No sólo cambia el concepto de arte sino el concepto de entender el arte al trastocar factores como obra/autor, receptor/productor etc. Se ponen en duda las estructuras filosóficas del arte.

El posmodernismo surge de la cultura de la incoherencia y lo único que puede unir todo son los medios de difusión. Ninguna ideología es dominante y todas están en entredicho. Los artistas, entre otros, son los que ayudan a conocer los cambios históricos de las sociedades.
El artista ya no es chamán sino transmisor de preguntas y receptor de respuestas y el arte es un instrumento de convivencia más que un medio de entretenimiento.

"Lo nuevo ha entrado en nuestro mundo gracias a la impureza, a la transformación de las culturas, ideas, políticas..."

El arte más que nunca está ligado a las circunstancias políticas, sociales y culturales y los artistas tratan de buscar explicaciones en este nuevo contexto.

El posmodernismo conlleva una transformación en el concepto de belleza, propicia el interés por definir nuevamente conceptos y recalca la identidad frente al multiculturalismo. Exige la redefinición del cuerpo sin la tradición y se compromete con su espacio y tiempo.

Este texto me ha sido muy útil para comprender mejor el posmodernismo y sus múltiples facetas. He descubierto autores y artistas que desconocía, lo que me ha resultado muy interesante. Buscar información e imágenes de cada artista ha resultado tedioso, aunque es primordial para entender un texto con profusión de autores no estudiados en la facultad. No lo considero un texto muy asequible, pues el alumnado no ha recibido la formación pertinente para su comprensión. No hemos oído hablar de autores como Janine Antoni o Doris Salcedo y ni siquiera nos han incitado a leer en ninguna asignatura el libro "La cámara lúcida" de Roland Barthes (uno de los muchos libros que habrían de ser de lectura obligada) A causa de nuestra "rica" formación técnica se ha dejado de lado a mi parecer lo más importante del arte, el discurso teórico implícito. Dominamos el dibujo de un desnudo, pero no afrontamos con solvencia un texto de esta índole ni tenemos un razonable buen discurso sobre nuestra propia producción artística, lo que creo nefasto para la preparación de un "belloartista". No obstante, el reto ha sido satisfactorio, pues he afianzado conceptos olvidados y aprendido otros que desconocía.


miércoles, 21 de marzo de 2012

Ken Robinson

Hola chicos! Hoy me han pasado este video y me ha parecido muy interesante y muy acorde con la asignatura de pedagogía. Espero que os guste!

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