domingo, 27 de noviembre de 2011

martes, 22 de noviembre de 2011

Copiar No Es Robar

Este es un vídeo que vi en verano y que habla del corto que hemos visto hoy en clase de una forma muy divertida. Espero que os guste.

martes, 15 de noviembre de 2011

Hola chicos! Bueno, pues últimamente he estado trabajando un texto que nos han pasado en la asignatura de fotografía que creo que podría ayudarnos a entender un poco más lo que es el arte y lo que es el pensamiento posmoderno. O al menos, una rama de todo lo que esto abarca. Estas son las conclusiones que he sacado.

¿Qué es la indicialidad?

Filósofos que responden a esta pregunta:
- Roland Barthes: La Cámara Lúcida
- J.L. Austin: Frases constatativas y frases performativas
- A.J. Ayer: Positivismo lógico
- Wittgenstein: (El segundo) Lenguaje como algo abierto
- Peirce: Padre del pragmatismo (confusiones entre el significado y el concepto). Designadores: La deixis.

Artistas que experimentan según las teorías filosóficas expuestas:
- Jeff Wall: Fotografía como documento
- Robert Barry: "Inert Gas Series"
- Keith Anartt: "Trouser word Piece" "Artand Egocentricity"
- Nan Goldin y Ruscha: La miseria
- Candida Höffer: La cámara como fotógrafo.
- Joseph Kosuth: (artista y filósofo)

Para hablar sobre qué es la indicialidad los diferentes teóricos se hicieron la siguiente pregunta: ¿Cómo construir con la realidad?

Según Roland Barthes los orígenes de la fotografía es la huella química y el concepto del paso del tiempo. El documento.
Jeff Wall (fotógrafo canadiense) influenciado por las teorías de Barthes testifica que "El arte conceptual es la búsqueda moderna de la autoreflexión con el medio" Es decir, que el arte debe atender y responder ante la realidad, el medio.
Ed. Ruscha con su obra "Foto Libro" asume la fotografía como documento. Esto le causaba interés ya que quería reflejar lo cotidiano y autóctono. (Foto-libro de Ed Ruscha abajo)
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C.S. Peirce, reformula y amplía el significado que le da Barthes a la fotografia declarando que el indicio de la foto no sólo está en sus características causales (película,...) sino el hecho de haber decidido hacerla. El mismo acto de fotografiar. Para Peirce, arrastar la realidad a la imagen era la indicialidad.

A principios de los 50 la fotografía estaba subestimada ya que estaba subordinada a documentar, y gracias a la ampliación de los conceptos que se van viendo teóricamente sobre lo que es la fotografía muchos artistas la sometieron a deconstrucciones. Querían cuestionar la supuesta "estrecha" relación que había entre la fotografía y lo real.

Para conseguir este propósito muchos artistas bebieron de teóricos como J.L. Austin. El cual hace un estudio del lenguaje. El significado de una frase depende de si es fiel a lo que hay en la realidad, esto se llama "valor de verdad"
El primer Austin estipuló que existían 2 tipos de frases: Las frases constatativas, que se limitan a hablar de lo real y las frases Perfomativas, que son las que crean, las que involucran (preguntar, jurar...)
Más tarde concluyó perfomativizando frases que podrían ser constatativas como: "El árbol está en el jardín" en esta frase está implícito el hecho de que "Hay un árbol en el jardín" con lo cual, se convierte así en performativa. Esta idea revolucionó las ciencias que estudiaban en el lenguaje y hubo una tendencia deconstructivista ya que los presupuestos de lenguaje y verdad quedaron anulados.

Wittgenstein también hablará de estos conceptos lingüísticos. El lenguaje es algo abierto porque lo que entendemos como verdad depende de un contrato social en el que participan los usuarios del lenguaje. También hablará de la diferencia entre los discursos analíticos (los cuales no necesitan de una demostración empírica) y los discursos sintéticos (que sí necesitan una demostración)
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Muchos artistas se sintieron influenciados tras la idea de las frases performativas de Austin y la trasladaron al ámbito artístico. Creando el término de "fotografía performativa"
Robert Barry con su obra "Inert Gas Series" crea una paradoja en cuanto a la idea de la fotografía ligada a la documentación. Se hace una serie de fotografías donde determinados gases invisibles son expulsados en el mismo momento de la toma fotográfica. Esta obra te hace ver las limitaciones que existen en la fotografía para documentar. El hecho importante que se experimenta en la obra (los gases) no están documentados visualmente en la fotografía. Y si no fuera por el texto que acompaña no podríamos entenderla. Con lo cual en "Inert Gas Series" lo importante no es documentar sino el acto fotográfico mismo. Este es un claro ejemplo de la fotografía performativa. (Una de las fotos de la serie abajo)
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También Keith Arnatt, influenciado por la obra de Austin elabora la obra "Trouser Word Piece" Arte considerado con un simple acto de vocalización, siendo consciente del cambio que eso suponía en el concepto de obra de arte y de artista. (Podía ser cualquier cosa o cualquiera, ya que lo más importante es declarar, no la idea en si) Y concluye exponiendo que el artista y el arte sólo tienen sentido por un pacto social, que nos dice cuál es su significado y cuál es su verdad.
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El artista y teórico Joseph Kosuth, influenciado por las teorías positivistas de Wittgenstein, declaró que "Las obras de arte son proposiciones analíticas" con lo que "si alguien dice que su trabajo es arte, es arte". Esta declaración predica la idea de que lo más importante no es el hecho en sí, sino declarar, decir, enunciar. Lo que Austin llamaba "Fuerza Perlocutiva". Lo importante que es creerse el trabajo de uno mismo para proclamarlo al exterior.

Si volvemos a hablar de Barthes es importante explicar la teoría que desarrolló de los dos tiempos que tiene la fotografía. "La experiencia decisiva de lo que ha sido pero que vive en el presente" Algo que existe en dos franjas temporales. Esto es algo imposible de encontrar en el lenguaje ya que su equivalente sería algo así como "Esto estuvo ahora aquí". Estas ideas del pasado y el presente crean nuevas acepciones de lo que podría ser la indicialidad: una que trata del pasado y otra que trata del presente.

Pierce también hablará de los conceptos presente y pasado. "El índice posee la esencia de la experiencia presente" Para tener información del pasado tenemos que tener lo que Pierce llama "designadores" (como la cámara) Pero aunque existan estos designadores, nada se entendería si no se entabla en un espacio y un tiempo determinado, hay que contextualizar la información. Esto es lo que Pierce llama "signos deícticos". Los signos deícticos o la deixis no es más que señalar. No tanto hacer una huella química como el hecho de señalar que se ha escogido un motivo para hacer el acto fotográfico.

En la última década de los 70 hubo un resurgimiento de la fotografía como documento, pero con otro matiz.
Los fotógrafos Nan Goldin (que hablaba de lo cotidiano, lo bajo y lo mundano, crítica a la sociedad) y Ruscha (ser antiestético y nada técnico hacía más autobiográfico los testimonios) hacían fotografía que mucho tenían que ver con actos documentales.
¿qué quería con estas fotografías? Para empezar querían manifestar la presencia del fotógrafo en un sitio determinado y fijar una interpretación personal que según Russel consideraba hasta egocéntrico.
No tanto la representación del mundo sino la necesidad de manifestar su existencia.

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Otra tendencia fotográfica buscaba la objetividad más neutra en la fotografía, como Candida Höffer. Se centra más en la cámara que en fotógrafo. El que señala no es el fotógrafo ahora, sino la cámara misma. Es la cámara la que es performativa. Al cambiar el concepto de performatividad se empezó a debilitar los conceptos tradicionales de significado, referencia e intención.

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Espero que os resulte interesante.

Un saludo!

domingo, 9 de octubre de 2011

Recuerdo cuando tenía nueve años, estaba en clase de coro y teníamos que leer unas partituras. Mientras leía ese amasijo de notas desordenadas una idea no me dejaba concentrarme. La idea de que esas notas quería decirme algo, pero no era capaz de descifrarlo, como una especie de lenguaje secreto. Como si fuera un lenguaje más, con su gramática, su vocabulario y su léxico. ¿Qué querían decirme? ¿cómo comprenderlas? ¿qué había oculto tras los pentagramas?

Al final de la clase no pude resistirme y se lo pregunté a mi profesor. Imaginad la cara que se le puso, pero tras estar un tiempo pensando me dijo: "Se dice que la música es el único lenguaje que no comprenderemos nunca literalmente, podremos intuir sensaciones, como la tristeza, la alegría, la melancolía... pero nunca entenderemos qué es lo que quiere decir con exactitud, quizás eso es lo que la hace tan atractiva"

Es curioso que esta semana, cuando he estado reflexionando sobre la idea de arte, se me viniese este recuerdo enterrado en mi memoria. Creo que es una forma muy poética de definir cualquier destreza artística. Como considero que la música es la más ambigua de todas las destrezas ya que no se puede palpar, ni ver, ni entender completamente he querido poner un ejemplo de Debussy. Cada persona le pasará su filtro particular para "comprender" más o menos las sensaciones que te produce pero ninguna sensación es definitiva o excluyente ya que la misma música puede albergar otro tipo de significado para otras personas. Como juega con el arte de lo no-verbal todo cobra un sin fin de posibilidades.

Eso es para mi el arte, el sin fin de posibilidades de sensaciones diferentes que te puede causar un estímulo determinado. ¿por qué en vez de hacer un cuadro o una escultura o un grabado o una composición no escribimos directamente lo que sentimos? En mi opinión el lenguaje, en algunas ocasiones, puede llegar a encorsetarte, te limita de una forma muy precisa lo que quieres decir, sin dejar cabida a la imaginación. Pero el arte no lo controlamos tanto, ya que estamos en continua creación, en continuo devenir.
Expresar sin reglas o expresar con ellas, pero en cualquier caso porque tu has elegido expresarlas así. La creación de nuevos valores, la libertad que te da el campo de lo desconocido, el campo de lo experimental.

Bueno chicos, supongo que esta será una de las millones de definiciones para definir el concepto arte. O a lo mejor estoy completamente equivocada, y esto no es para nada una definición, en cualquier caso, lo dejo aquí, a ver qué os parece.

Un saludo a todos

Educación Artística

El arte es...

Debussy- Arabesque I (1888)

martes, 4 de octubre de 2011

¿Deberíamos haber impedido que demolieran las estatuas gigantes de Budas milenarios?

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A esta pregunta que surgió más tarde cuando lo pusimos en común como no lo hablamos con nuestros respectivos grupo ya que salió espontáneamente responderé sólo según mi criterio:

Es una pena históricamente hablando que se perdieran las estatuas, pero más catastrófico hubiese sido actuar por la fuerza, ya que considero que la vida tiene más importancia que lo inerte. En cualquier caso, si algo resulta ofensivo o un insulto para una cultura y está dentro de sus territorios, siempre que no se falte a los Derechos Humanos, están en su derecho de hacer lo que quieran.

Resumen del cuestionario dado en clase.

¿Existe goce estético en estas imágenes?

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(Ataque a las torres gemelas)

Desde nuestro punto de vista, el cual es completamente etnocéntrico, debido a lo que nuestra sociedad dicta que está bien o está mal, no tiene ningún tipo de goce. Sin embargo determinados sectores de la cultura árabe seguramente sienta placer. Así como aquellas personas que quizás no sepan que dichas imágenes son reales y sientan atracción por ellas como se puede sentir cuando ves cualquier película.

¿Hasta qué punto el arte es patrimonio cultural?
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(Demolición de las estatuas gigantes de Budas milenarios en Afganistán)

Que el arte sea patrimonio cultural o no sólo depende de los intereses políticos, es decir, si interesa políticamente hablando será patrimonio, sino será una obra de arte más.

¿Hasta qué punto está la ética relacionada con el arte?

Aunque la semana pasada escribí mi reflexión sobre esta pregunta. El consenso del grupo fue otra:
El arte en sí no tiene ética, se la da el autor y el espectador.

¿En qué grado está relacionado la belleza con otros ideales?

Cuando estamos ante una obra de arte nos cuestionamos si es artística o no independientemente de si es bella, aunque de todos es sabido que socialmente está más aceptado aquello que supuestamente es bello de aquello que no lo es.

¿Podemos considerar esto objeto artístico? ¿y objeto estético?

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(El Cerro de los Siete Colores. Argentina)

Se supone que el arte es un artificio, es decir algo creado por el hombre, algo en lo que el hombre ha intervenido. Como este sitio no ha sido intervenido quizás no se considere artístico, pero si estético.

¿Hasta qué punto es necesario el conocimiento de la técnica y la habilidad para realizar arte?
La técnica es una herramienta más, la usas o no dependiendo de lo que necesites para expresar.

¿La originalidad es condición de la obra de arte?
Si como originalidad consideramos que es crear una imagen de la nada sin tener ningún referente no, no es condición de la obra de arte. Pero queramos o no, aunque copiemos, o tomemos prestado imágenes siempre será algo original, ya que lo ha realizado una persona que es única.

¿Existe una esencia en la obra artística o todo en ella es abierto o relativo?
Todo es relativo porque todo depende del contexto histórico y cultural en el que te entables. Quizás de esta afirmación podamos decir que la esencia del arte, su hilo conductor es su contexto histórico.

¿Qué podemos enseñar y aprender del arte?
Una de las cosas más importantes dentro de la educación artística es saber sensibilizar a las personas para apreciar una obra de arte. Enseñar a hacerse las preguntas necesarias para apreciarla. Que cuando vea un cuadro, una escultura, o cualquier expresión artística no sólo vean una imagen, que sea una explosión de preguntas ¿por qué ha elegido ese tema? ¿qué técnica ha empleado y por qué? ¿el autor participaba de alguna tendencia filosófica? ¿por qué se encuentra en ese museo o en esa galería?


En este grupo de trabajo han participado: Azahara, Alicia, José Nieto, y Reyes.

¡Un saludo!

martes, 27 de septiembre de 2011

y... ¿qué es la ética?


Primera clase de Pedagogía. Echaba de menos el hecho de dialogar con mis compañeros sobre cuestiones más profundas. Tanto teorizar sola o siempre con la misma gente puede hacerse pesado, conocer otros puntos de vista con gente que nunca te habías planteado dialogar me parece cuanto menos enriquecedor.

Las preguntas expuestas fueron interesantes pero más interesante aún las derivadas que han ido surgiendo. Y con respecto a las respuestas, aunque quizas demasiado globales y relativistas creo que son bastante acertadas.

De todas formas considero más importante el hecho de formularse preguntas, cuestionarse todo cuanto vemos que llegar a una conclusión definitiva, ya que es evidente las infinitas posibilidades de matices, excepciones y perspectivas.

Una de las preguntas que más me hicieron pensar es la siguiente: ¿qué relación tiene la ética con el arte?

Para empezar, la pregunta obvia ¿y qué es la ética? si nos remitimos a la Real Academia Española cita: "Conjunto de normas morales que rigen la conducta humana" segunda pregunta: ¿qué es la moral? Aquí la RAE pone muchas acepciones pero la que veo más acertada es la siguiente: "Ciencia que trata del bien en general, y de las acciones humanas en orden a su bondad o malicia."

Como no somos seres aislados, y queramos o no, nos regimos en gran medida por unas normas inculcadas por la sociedad, es evidente que un artista, el cual también vive en sociedad, al expresarse muestre consciente o inconscientemente alusiones a la ética de su contexto histórico ya sea para ensalzarla o para degradarla.

Un saludo a todos!